L'œuvre intitulée « Apparence séduisante et trompeuse », photographiée lors d'un périple à moto dans le désert du Nevada au lever du soleil, joue habilement avec les longues expositions et les mouvements, créant ainsi un trompe-l'œil où le sujet de la montagne semble se dédoubler. Pour Amielle Clouâtre, la photographie dépasse le simple acte de reproduction visuelle ; elle devient le récit subtil et nostalgique de moments saisis, parfois doux, parfois saisissants. Clouâtre ne vise pas uniquement à saisir des images nettes et précises, mais plutôt à explorer des univers qu'elle dépeint à travers l'objectif de son appareil.

Combinant photographie de paysage et reconstitutions historiques, l’exposition Atlas des nuits américaines s’est offerte tel un observatoire nocturne. Un lieu d’observation des mémoires collectives à travers la région de Charlevoix.

À une époque où l’on conteste fréquemment la légitimité de la photographie comme témoin du réel, Nicolas Dufour-Laperrière en explore les limites et les conditions d’existence. Une existence qui propose une multiplication des points de vue et des récits, le sien comme ceux des autres, tous égaux sous les étoiles.

Oeuvre numérique imprimée sur aluminium.

L’artiste travaille sur les différents états des éléments naturels, par exemple solide/liquide/évaporé, et les moments des états.

Il y a une idée métaphorique des différents états émotionnels de l’être humain, avec la joie, la tristesse, la colère. Tout ces états qui peuvent être en lien, s’accorder ou créer une discorde.

Cette oeuvre est en dyptique avec Fusion, elle est actuellement cadrée différemment pour cette exposition.

Métastable est justement l’état avant un changement, comme l’état dans lequel on peut se sentir entre deux émotions par exemple.

Cette œuvre vise à mettre en lumière le lien entre l’homme et le territoire, lorsque celui-ci s’invite dans des lieux qui ne lui appartiennent pas. L’utilisation de l’encre appliquée à la plume en petits points élabore une composition qui invite à la méditation, offrant autant à l’artiste au moment de la création qu’au spectateur une expérience immersive où la lenteur de la nature se reflète dans nos vies, nous incitant à ralentir et à nous reconnecter à l’essentiel.

Le contraste entre les lignes bien définies d’aplat de couleurs avec l’acrylique diluée et la précision des formes à l’encre vise à illustrer la présence humaine dans la nature, soulignant ainsi la relation complexe entre l’homme et son environnement.

C’est une recherche autour des territoires imaginés, ceux qui nous font rêver, ainsi que de la perception que nous avons de ces lieux inconnus. En capturant la magie des aurores boréales et la tranquillité mystique de la lune dans un environnement arctique aux saisons indistinctes, une sensation d’émerveillement et d’évasion vers des contrées inexplorées est suscitée chez le spectateur.

La juxtaposition des couleurs pastel au noir profond, au-travers de coups de pinceau longilignes et fluides, permet de définir le contraste entre la douceur des paysages glaciaux et la dureté des conditions climatiques.

Au-delà de son acception purement auditive, ce vacarme est ici interprété comme un foisonnement inextricable qui, par les tensions inhérentes dont il est la matrice, représente le moment qui précède l’éclatement, la rupture qui mène vers un changement de paradigme. C’est donc un intervalle situé entre un avant et un après. Un après qui, suivant une logique, axe sur la notion de cycle, deviendra à son tour l’avant du prochain moment de rupture, du prochain vacarme. Cette série est née avec l’arrivée de cette année 2019, dans laquelle on se débat depuis. Le vacarme dont il est question ici n’est pas étranger à cet état de fait. Le sentiment qu’un bruit sourd, et assourdissant à la fois, gronde, menaçant. Si cet avant porte en soi le germe d’une césure ou d’un dé balancement, puisqu’il précède dans ce cas-ci au vacarme, il n’en demeure pas moins que c’est encore un espace cohérent, ou qui parait plus harmonieux. Il y a donc dans ma démarche un certain degré de nostalgie (consciemment fantasmé) au regard d’un temps antérieur qui semble moins cacophonique et plus propice à l’écoute que notre présent.

« Landlord #24 » explore le rapport entre la surface et le fond à travers une approche métaphorique inspirée de la géologie. La surface, où repose la maison, représente le présent anthropique, tandis que le socle évoque les multiples strates du passé, ou plutôt, des présents antérieurs désormais enfouis. La maison, par son échelle, symbolise le désir illusoire de pérennité auquel aspire l'humanité. Le terme « landlord », seigneur de la terre, synthétise la notion ambiguë de propriété foncière.